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Arte del Momento

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  • Arte del Momento

    • El edificio y su copiosa agenda sintonizan con el ritmo de la glamurosa ciudad en que reside este impactante museo.

    Pérez Art Museum Miami: enriqueciendo la escena del arte en el continente americano / 

    El año pasado reseñamos la muestra que concluyó con un importante periodo para el MAM (Miami Art Museum). Ahora nos emociona poder dar un perfil del nuevo Pérez Art Museum Miami, un espacio para el arte, la cultura y el esparcimiento como pocos en el mundo.

    La solicitada firma Herzog & de Meuron fue la responsable del edificio y, como suele ocurrir con ellos, sobrepasaron las expectativas. Es un museo inteligente, vanguardista, amigable con el ambiente y muy bello, la fachada principal está a tono con el paisaje de esta glamourosa ciudad. El diseño conjuga el encanto de la naturaleza y los espacios abiertos con las necesidades de los artistas, curadores y coleccionistas.

    El PAMM es un sitio mutable y en constante evolución, en donde siempre hay algo nuevo que ver gracias a sus múltiples salas de exposiciones temporales, su gran espacio dedicado la colección del museo y la versatilidad de sus tres pisos, en los que todo es posible según lo demuestran sus primeras exhibiciones. Se aprovecha al máximo la luz natural y gracias a un novedoso método de construcción fue posible crear interiores con extensos espacios abiertos, sin columnas que estorben la vista, lo que queda es un panorama ideal para las exhibiciones y eventos en el PAMM.

    El jardín escultórico y en general el ambiente del exterior son un bello lugar de convivencia para los visitantes de todo el mundo. Los jardines colgantes le dan un aspecto fresco y amigable a la vista del imponente edificio. Sin lugar a dudas la inversión, los sacrificios y la espera valieron la pena, el nuevo edificio se adapta a la naturaleza dinámica y expansiva de la ciudad donde habita y se amolda a lo que el arte contemporáneo demanda.

    El calendario de exposiciones se encuentra abarrotado para éste y un par de años más, se tienen planeadas valiosas actividades de carácter internacional, propuestas plásticas de todo tipo, conferencias y audiovisuales que apuntan a transformar, o por lo menos enriquecer, la escena mundial del arte. 

    Tagged: Miami, Perez Art Museum, museos, arte
  • Arte del Momento

    • El prestigioso Premio Pritzker, uno de los más importantes de la arquitectura, se concedió este año al japonés Shigeru Ban, quien ha destacado por su labor en zonas de damnificados.

    Shigeru Ban, arquitecto del desastre y la compasión, ganador del Premio Pritzker 2014 / 

    En 1979 el empresario y filántropo Jay Pritzker instituyó el Premio Pritzker de Arquitectura, galardón que desde entonces reconoce anualmente “a un arquitecto vivo cuya obra construida demuestre una combinación de cualidades de talento, visión y compromiso que haya producido contribuciones consistentes y significativas para la humanidad y la edificación del medio ambiente por medio del arte de la arquitectura”.

    Con este propósito, el Pritzker ha sido concedido a artífices del espacio como Luis Barragán (1980), Oscar Niemeyer (1988), Frank Gehry (1989), Aldo Rossi (1990), Norman Foster (1999), Rem Koolhaas (2000) y Peter Zumthor (2009), entre otros tanto o más destacados. La nómina es admirable y por eso el Premio Pritzker se cuenta entre los más importantes del mundo de la arquitectura.

    Este 2014 el Pritzker se concedió a Shigeru Ban, arquitecto de origen japonés cuyo estilo se caracteriza por una combinación a un tiempo vanguardista y elemental de formas y materiales, siempre privilegiando la expresión del concepto que da sentido a un edificio. Sin embargo, su labor más notable ―y una de las principales razones por las que ganó el premio― es el diseño de casas para personas afectadas por desastres naturales o que viven como refugiados por algún otro motivo. Japón, Ruanda, India y Filipinas son algunos de los países en donde por un tsunami, por tifones o por guerras civiles, hay cientos o miles de personas sin hogar a quienes el trabajo de Ban ha beneficiado, pues el talento del arquitecto consigue en encontrar el balance entre un edificio resistente, rápido de construir y durable utilizando materiales locales. El hogar temporal de Onagawa, en Japón, para los damnificados del terremoto de 2011, construido con contenedores de barco y tubos de papel, es un buen ejemplo de esta faceta arquitectónica de Ban.

    A propósito, Tom Pritzker, director de la Fundación Hyatt, declaró que “la innovación no está limitada por el tipo de edificio, y la compasión no está limitada por el presupuesto. Shigeru ha hecho de nuestro mundo un mejor lugar”

    Cabe resaltar que en muchos de estos diseños Ban trabaja pro bono, es decir, sin cobrar sus honorarios pero poniendo el mismo empeño que en grandes proyectos como el Centre Pompidou-Metz, Francia.

    En cuanto al premio, el arquitecto dijo no entender aún la situación, pues siente que este llega demasiado pronto en su carrera, cuando no ha alcanzado todavía el nivel que desearía. Pero por esto mismo considera que es un estímulo para seguir trabajando, “para mantenerse haciendo lo mismo”.

    Y cómo no hacerlo cuando esa continuidad está signada por la ayuda a los otros.

     

    Imágenes:

    II: Catedral de Nueva Zelanda

    III: Pabellón Japonés de la Expo 2000 celebrada en Hannover, Alemania.

    Tagged: arquitectura, grandes arquitectos, Shigeru Ban, Premio Pritzker, Premio Pritzker 2014 Credits: Imágenes (I: Benoit Tessier/ Reuters; II: Stephen Goodenaugh/ Associated Press; III: Hiroyuki Hirai)
  • Arte del Momento

    • Artífice del "arte perverso", Juan Gatti fue comisionado recientemente por Faena para elaborar el mural que ahora domina sobre Collins Avenue, en Miami.

    Juan Gatti: El artista endemoniado / 

    Juan Gatti nació en Buenos Aires. Aún adolescente, ya había logrado forjarse un nombre en el mundo del diseño gracias a la dirección de arte de las tapas de discos de bandas icónicas del rock porteño de los '80s. Poco después de cumplir los 30, se mudó a Madrid, donde abrió su propio estudio.

    Los '80s le resultaron clave para vivir en la capital española, gracias a la movida y el destape (nombres con los que se conoció al despertar cultural que dio forma a todas las expresiones artísticas post Franco). En estos años, Gatti conoce al director de cine español Pedro Almodóvar. Su colaboración, -que ha sido a menudo comparada con la que sostuvieran Hitchcock y Saul Bass-, tuvo por resultado la creación de una de las estéticas cinematográficas más relevantes del siglo XX.

    El talento de Gatti lo ha convertido en uno de los artistas más respetados de su generación, destacándose en distintos medios, entre los que se cuentan la fotografía, el diseño y la pintura. Su personal estilo, una mezcla potente de kitsch y pop, lo ha coronado como el rey del “arte perverso”, como a él mismo le gusta llamarlo, adoptando una formulación peyorativa, del mismo modo que Matisse adoptara la declaración crítica según la cual se lo consideraba el “rey de los fauves” (las bestias salvajes) en 1905.

    Faena comisionó a Juan Gatti con la creación de los potentes murales que reinan sobre Collins Avenue y envuelven el Collaboratory con imágenes de tierras míticas y fuentes de la Juventud Eterna.

    Tagged: Juan Gatti, arte contemporáneo, artistas argentinos
  • Arte de la Inspiración

    • Cada mes se pondrá a disposición un nuevo texto de los doce escritores que conforman las Audio Walks

    Bridge Commission: el nuevo proyecto de la Serpentine Gallery combina literatura y las caminatas / 

    Los hermosos espacios al aire libre de la Serpentine Gallery se engalanan con un nuevo evento. Esta prestigiada galería de Londres ofrece grandes exhibiciones y comisiones a creadores de gran trayectoria. Por ejemplo, la comisión anual del Pabellón arquitectónico es un evento reconocido internacionalmente, que ha incluido a Rem Koolhaas, Frank Gehry y Herzog & de Meuron entre los 13 arquitectos que han participado, anualmente, desde que se inauguró esta iniciativa.

    La galería ahora ofrece una estimulante experiencia en el marco de la inauguración de un nuevo espacio: The Sackler Gallery. Esta exuberante construcción, diseñada por Zaha Hadid Architects, fue nombrada en honor a  Dr. Mortimer and Dame Theresa Sackler, ya que la fundación del prominente emprendedor donó una fuerte suma para que el proyecto de la galería fuera posible.

    Doce escritores han sido invitados a participar en el proyecto Bridge Commission Audio Walks. En el evento los visitantes de la galería pueden descargar audios de la página oficial de la Serpentine Gallery, con la duración estimada del trayecto hasta las nuevas instalaciones. El proyecto se inició el 5 de noviembre y terminará el 28 de septiembre, cada mes se pondrá a disposición un nuevo audio.

    Algunos de los escritores participantes son la novelista Chimamanda Ngozi Adichie, autora de Half of a Yellow Sun (2007) y Americanah (2013);   Ben Lerner, autor de The Lichtenberg Figures (2004) y la mexicana Valeria Luiselli, autora de Los ingrávidos (2012). Para conocer la lista completa, escuchar los audios e indagar sobre los autores compartimos la página oficial del evento.

    Este inspirador proyecto aunado al nuevo espacio y las constantes comisiones y eventos de la Serpentine Gallery, la posicionan como uno de los espacios más vanguardistas e interesantes en el mundo del arte actualmente. 

    Tagged: Bridge Commission Audio Walks, Serpentine Gallery, arte contemporáneo
  • Arte del Momento

    • El museo se inauguró a finales del año pasado y fue obra del arquitecto David Chipperfield.

    La Fundación Jumex Arte Contemporáneo abre un museo en la Ciudad de México / 

    El internacionalmente conocido y galardonado arquitecto David Chipperfield, recién desarrolló su primer proyecto en Latinoamérica. Se trata del nuevo Museo Jumex que inauguró a finales del 2013. El imponente complejo cuenta con seis mil setecientos metros cuadrados de espacio para exposiciones, convivencia y esparcimiento. El inmueble se compone del sótano, planta baja y los niveles 1,2 y 3, así como de un innovador espacio virtual.

    La Fundación Jumex Arte Contemporáneo (FJAC) tiene doce años promoviendo e incentivando el potencial artístico de México y el mundo. A través de comisiones y adquisiciones, ha ido amasando una de las colecciones más impresionantes de Latinoamérica, en la que predomina el arte minimal y de las décadas de los sesenta y noventa; también lanza convocatorias que evolucionan e incentivan la creación artística en diversas ramas.

    El nuevo museo ubicado en la ciudad de México está al nivel de los mejores en el mundo, con lo cual se espera atraer a aficionados al arte, así como creadores, curadores e investigadores interesados en crear nexos con la institución.  En los comienzos de su colección y actividades la Galería Jumex ubicada en la planta del grupo fue suficiente, después de una década de labor en el campo de las artes experimentales la colección se muda al museo, aunque la galería sigue ofreciendo exhibiciones y eventos.

    Para información relacionada con la agenda del museo y la Galería Jumex puedes visitar la página oficial de la FJAC. Te sugerimos visitar el sitio museojumex.org, una extensión virtual del museo que sirve como plataforma especializada en proyectos digitales y multimedia.  Enhorabuena para la fundación y el arte latinoamericano, con esto se abren grandes oportunidades y actividades culturales. 

    Tagged: museos, Fundación Jumex, arte contemporáneo
  • Arte del Momento

    • La obra de esta artista es inspiración para un gran público que a lo largo de tres décadas se ha identificado con ella

    El Guggenheim reconoce a Carrie Mae Weems con emotiva retrospectiva / 

    Frente a la obra de Carrie Mae Weems (1953) nos encontramos ante un manifiesto de libertad y expresión, el compromiso que mueve a esta artista a crear, es con ella misma y los miles a los que da voz con cada imagen. Su complejo cuerpo de obra aborda temas como  sexualidad,  racismo, género, clase y conflictos sociales, el arte de esta creadora ha alcanzado varios rincones del mundo y ahora el Guggenheim N.Y ofrece una amplia retrospectiva.

    Desde los inicios de su carrera ha manejado una narrativa visual bien estructurada. Articula instalaciones fotográficas que cuentan una historia, que proponen encuentros, dialogo, sufrimiento y esperanza. Sus ideas han encontrado soporte en medios como la fotografía, audio, texto, instalación y recientemente ha incursionado en el video. Sus obras incitan a la reflexión sensible en torno a las dinámicas sociales que se desarrollan todos los días, aborda diversos puntos de vista que propician un lazo empático con los sujetos retratados y las historias que protagonizan.

    Sus retratos involucran emocionalmente al espectador con la vida de alguien más, permitiendo diversas perspectivas y lecturas de un mismo problema. Carrie Mae Weems: Three Decades of Photography and Video, es un vistazo extensivo a la carrera de esta polémica y comprometida artista. La exhibición se inaugura el 24 de enero y permanecerá hasta marzo, cabe resaltar que se muestran principalmente fotografías aunque también se exponen diversos soportes con los que Weems se ha expresado. “Kitchen Table Series” (1990), uno de sus trabajos más representativos e innovadores tiene un lugar especial dentro de la muestra. 

    La búsqueda de la justicia y la equidad en estos treinta años de trayectoria, para Weems han sido un sendero de auto descubrimiento y transformación, liberándose o acercándose a cuestionamientos profundos, que ahora son inspiración para multitud de personas que han encontrado alivio en su obra plástica.

    Tagged: Carrie Mae Weems, fotografía, Guggenheim Nueva York Credits: Imágenes (I: Family Reunion) (II: Untitled (woman and daughter with makeup)) (III: Untitled (box spring in tree))
  • Arte del Momento

    • La artista Liliana Porter presenta en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires una instalación que descubre el material en que sostiene el mito de la modernidad.

    El hombre con el hacha… una metáfora sobre las ruinas de la modernidad / 

    La modernidad es quizá uno de los últimos grandes mitos civilizatorios, con todo y que sus artífices pretendieron lo contrario. Como asegura Jacques Lacan elaborando a propósito del concepto de mito en Claude Lévi-Strauss, el mito es esa construcción del lenguaje que nombra de la única manera posible lo que realmente no se puede nombrar, un rodeo que, en el caso de la modernidad, otorgó un lugar a la voluntad persistente del ser humano por parecer mejor de lo que es a costa de sus deficiencias y sus faltas, que se niegan o se oculta solo para que eventualmente emerjan.

    Una inteligente metáfora de esta tensión tan propia de la modernidad ha sido elaborada por la artista bonaerense Liliana Porter, quien hasta el 24 de febrero de 2014 presenta en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires la instalación El hombre con el hacha y otras situaciones breves.

    La pieza que da nombre a la instalación puede describirse a partir de la pequeña figura en miniatura que representa a un pequeño hombre de traje blanco y sombrero negro que sostiene un hacha en lo alto. El gesto es en sí mismo dramático, pues implica esfuerzo del cuerpo, concentración de la mente, la persona puesta en la ejecución de una tarea, pero la elocuencia muda de este se incrementa cuando se descubre que el hombrecillo está entregado a una destrucción apabullante, un camino de escombros que comienza con unos pocos restos de algo que alguna vez fueron objetos útiles de cerámica, tan diminutos como él, y continúa en un in crescendo material que se agranda hasta culminar con un piano notablemente deteriorado e invertido. En el ínterin, otros fragmentos de débris —una hoz y un martillo, un jardinero que riega las flores pintadas en platos de porcelana, una reproducción en miniatura del momento a bordo del automóvil presidencial en que murió John F. Kennedy, soldados y navíos, mineros surreales, la imagen de un matrimonio convencional, y más, muchas más escenas mínimas— que aunque parecen inscritos en el caos y el desorden, en realidad están ahí en razón de un principio específico que da sentido a los despojos.

    Borges alguna vez escribió que si los libros del mundo fueran destruidos pero sobrevivieran por lo menos las obras de Thomas de Quincey, a partir de estas sería posible reconstruir la civilización occidental. En este sentido Borges era más bien optimista, al menos si se le compara con la perspectiva de Porter y su idea de que dicha civilización ya está construida sobre ruinas y escombros, que estos son el material del que están hechos los sueños de la modernidad.

    Tagged: instalaciones, instalaciones artísticas, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Liliana Porter, modernidad
  • Arte del Momento

    • Esta obligada exposición estudia el devenir creativo en la vida del maestro grabador oriental en el Art Institute of Chicago.

    La culminación estilística en el legado de Hokusai: 36 vistas del monte Fuji / 

    Katsushika Hokusai (1790-1849) es el maestro oriental de grabado japonés que incidió en el arte, la vida y el inconsciente. Sus ediciones fueron enormes, su nombre y sus diversos alias se multiplicaron por todo Japón. De entre sus series sobresale la que el artista tituló: Treinta y seis vistas del monte Fuji (1826-1833), la más célebre impresión de la serie fue la que hoy se conoce como la Gran Ola de Kanagawa, en suma la serie completa es una obra maestra de la gráfica.

    El monte Fuji es el más alto de Japón y en la época de Hokusai, el panorama limpio apremiaba la figura del gigante –un terráqueo titán que a lo largo de los siglos inspiró grandes obras en diferentes disciplinas. A la avanzada edad de 70 años, el autor decidió rendir tributo al monte sagrado, y a la vida cotidiana que el gigante contemplaba. Las treinta y seis vistas fueron realizadas en múltiples placas de madera, cada una por lo menos de 3 placas, el artista las preparó para la talla que culminaba en las virtuosas matrices; luego el maestro impresor  se encargaba del proceso calcográfico.

    Beyond the Great Wave: Hokusai’s Images of Mount Fuji, es la exposición que el Art Institute of Chicago propone desde el 20 de Julio al 6 de Octubre. La presentación demuestra cómo es que la maestría de la serie, en la avanzada carrera del genio, culmina múltiples experimentos estilísticos, a lo largo de la vida de Hokusai.

    En el periodo Edo era muy popular apreciar en las calles el material que ahora cuelga en las paredes de los museos, las estampas eran codiciadas en Europa y derrochadas en Japón; se calcula que Hokusai ejecutó treinta mil obras bajo diferentes seudónimos, en distintas corrientes que abarcaban la vida cotidiana, el paisaje, el erotismo y los relatos extraordinarios de su tiempo. Este genio creativo dejó un legado milenario, un artista que incidió en su tiempo y que siguió influenciando el mundo hasta nuestros días.

    Tagged: Hokusai, arte japonés, exposiciones, Hokusai Art Institute Chicago

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