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Arte del Momento

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  • Arte del Momento

    • Todas las formas de arte, las maravillas de la ciencia y la tecnología junto con la relevancia académica se encuentran en esta fina celebración.

    Argentina y Francia celebran, con un carnaval cultural, medio siglo de cooperación / 

    Durante 2014 Francia y Argentina fortalecen los lazos que les unen. A cincuenta años de haber pactado la cooperación cultural, científica y técnica las múltiples celebraciones comenzaron con el 2014 y concluirán con los últimos días del año. El embajador de Francia en Argentina, Jean-Michel Casa, reflexionó sobre el interés compartido por las dos naciones, entre ellos, resalta la excepcionalidad en sus ambiciones culturales, científicas y tecnológicas. La necesidad de entablar un dialogo horizontal y justo, motivó el desarrollo de la copeada agenda cultural del año.

    Agathe Simon fue invitado por el ministro de cultura de argentina a realizar una residencia artística en la antárctica. Su travesía comenzó en febrero y  el resultado de su experiencia se engloba en una exhibición de arte. Marta Minujín celebra la vida y obra de Julio Cortázar en Francia con su pieza Rayuelarte. Esta obra participativa se presentó en territorio francés, involucrando al público con la conmemoración de los 50 años de Rayuela, cien años del nacimiento del autor y treinta años de su muerte. Otro encuentro relevante se dio en la feria de arte contemporáneo ArteBa, marco ideal en el que un grupo de galeristas y compradores francés asistieron al evento para permearse de la escena del arte argentino. 

    El cine francés ha estado presente en un gran número de carteleras, festivales y ciclos. “50 películas para celebrar 50 años” es un gran ciclo que a lo largo del año expone grandes producciones francesas y argentinas subdivididas en ciclos temáticos.  Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI), pone especial atención al cine francés en esta edición.  Aunque los organizadores de este festival reconocen que los creadores franceses siempre han sido una constante en este evento. Les Avant-Premieres es el nombre del ciclo que exhibe el material más destacado de cine francés que han adquirido recientemente los distribuidores de películas en Argentina.    

    El festival internacional de Jazz de Buenos Aires se celebra desde hace cinco años. Se reúne a los más grandes compositores internacionales del género y para la sexta edición se tiene de invitado de honor a Henri Texier Hope Quartet, agrupación que reúne a músicos de nivel internacional que estarán ejecutando en el tradicional encuentro en la Usina del Arte. El grupo de rock francés Phoenix se presentó en la escena del Festival Lollapalooza Argentina, esta banda adquirió relevancia internacional desde hace algunos años y en la tierra de Borges tuvieron la oportunidad de apreciar su calidad en vivo.

    Uno de los puntos más relevantes en esta intensa interacción entre las dos naciones es la cooperación científica, tecnológica y académica. Para lograr este cometido se tienen preparados varios intercambios académicos en diversas áreas de estudio. También se optimizan los lazos de la investigación científica con un constante flujo de profesionales de un país a otro. En suma este evento ratifica el interés de las dos naciones por alcanzar la excelencia cultural y científica. Nutriendo estos lazos que desde hace cincuenta años los vinculan, solo se puede asegurar un brillante porvenir para sus relaciones bilaterales.

    El resto del mundo puede salir muy beneficiado si se sigue el ejemplo de estas dos naciones amigas.

    Consulta en este enlace la agenda completa de eventos por venir.   

    Tagged: Argentina, Francia, música, arte contemporáneo
  • Arte del Momento

    • Esta muestra es un trabajo de investigación que llega a Miami desde Nueva York, poniendo a tono la escena de las artes con esta ciudad multicultural.

    The Caribbean: Crossroads of the World, un vistazo fundamental al arte caribeño / 

    Como resultado de un impresionante trabajo de exploración en el arte caribeño, nace esta exhibición auspiciada por el Pérez Art Museum (PAMM). La muestra abarca 180 objetos que despliegan ante el espectador la historia artística y cultural de una vasta y hermosa región del continente.

    The Caribbean: Crossroads of the World se remonta a la revolución haitiana para hacer un recorrido hasta nuestros días. La curaduría está a cargo de Elvis Fuentes, quien dio sentido dentro del PAMM al trabajo de investigación realizado por El Museo del Barrio, The Queens Museum y The Studio Museum in Harlem, instituciones neoyorquinas que a lo largo de varios años han seguido la pista de obras y creadores importantes del Caribe.

    El recién estrenado Pérez Art Museam educa y asombra con una muestra interdisciplinaria que incluye escultura, pintura, fotografía, gráfica y video. Para dar sentido al legado artístico y cultural de varios países, y ofrecer una lectura óptima, la muestra se organiza de acuerdo a los siguientes ejes temáticos: Fluid Motions, Counterpoints, Shades of History y Kingdoms of this World. Cada uno pretende despejar un aspecto importante de la vida cotidiana, los aspectos sagrados y políticos que conviven en una tierra colmada de tradiciones e historias que se remontan mucho tiempo atrás. En el contexto de Miami esta muestra tiene una resonancia espacial para muchos de los que visitan y habitan en esta ciudad, espacio multicultural e importante escena del arte actual.

    La exhibición permanecerá hasta el 17 agosto, y con ella conviven grandes propuestas que ofrece este gigantesco y hermoso museo, como la hipnótica exposición de Edouard Duval-Carrié, Imagined Landscapes y Project Gallery, de Shahzia Sikander, artistas que desbordan su vasto imaginario y sus habilidades con el color. 

    Tagged: Perez Art Museum, Miami, exposiciones
  • Arte del Momento

    • Con esta valiosa muestra en el Guggenheim de Nueva York, se proyecta la actividad artística de todo un continente del que se desborda talento artístico.

    Un encuentro del arte latino contemporáneo “Bajo el mismo sol” / 

    El Guggenheim de Nueva York tiene en su agenda una increíble exposición, Under the Same Sun: Art from Latin America Today.  Una muestra que aborda de manera extensiva el arte contemporáneo de Latinoamérica. Se exhibe el trabajo de más de cuarenta artistas y colectivos. En conjunto transmiten los complejos matices que posee la región, las tensiones culturales y sociales que distinguen a cada país del continente, así como aspectos lúdicos o cotidianos en los que vale la pena reparar.

    La muestra se inauguró en junio y tendrá permanencia hasta octubre del 2014 –periodo durante el cual se realizaran provechosas platicas y actividades educativas. El mexicano Pablo León de la Barra es el organizador y curador de la exhibición, su principal cometido es dar a conocer un aspecto esencial que comparten los latinoamericanos. Bajo el mismo sol se sufren las desigualdades, los sueños y las injusticias de una región. El espíritu de esta exposición queda cabalmente sintetizado en obras como A Logo for America (1987), del chileno Alfredo Jaar. Se trata de un video de diez minutos que se proyectó en Times Square,  con el mensaje: América es todo el continente no solo los Estados Unidos.

    Promoviendo empatía y unidad frente a los problemas que asolan esta zona rica en cultura e historia, los artistas son incluyentes y transgresores. Ofrecen un nuevo rostro creativo para entender Latinoamérica desde el arte como nunca antes se había visto.  Entre los expositores se incluye a Carlos Amorales, Alejandro Cesarco, Donna Conlon y Jonathan Harker. Adriano Costa, Juan Downey, Rafael Ferrer, Regina José Galindo, Alfredo Jaar,  Claudia Joskowicz, Carlos Motta, Gabriel Orozco, Wilfredo Prieto, Erika Verzutti y Carla Zaccagnini.

    Esta muestra se enmarca en los esfuerzos de la sociedad financiera UBS, en colaboración con el Guggenheim, dos instituciones que dan forma al proyecto MAP que apoya a artistas, curadores e instituciones de Asia,  África y América. Los estímulos y apoyos van desde residencias, adquisiciones, programas educativos y exhibiciones itinerantes. Visita la página oficial para informarte más y participar. 

    Tagged: arte, arte contemporáneo, arte contemporáneo América Latina, Guggenheim Nueva York
  • Arte del Momento

    • Doce artistas plásticos en activo dialogan y homenajean a uno de los artistas más incomprendidos de la historia del arte: Doménikos Theotokópoulos, El Greco.

    El éxtasis de los cuerpos. El Greco revive en la obra de doce autores contemporáneos / 

    En 1912, el médico portugués Ricardo Jorge persentó la hipótesis de la locura del Greco; un poco más tarde, el alemán Goldschmitt y el español Beritens sustentaron otra nueva hipótesis: el Greco padecía astigmatismo, lo que explicaba la particularidad formal de sus pinturas.

    Ciertamente, la universal consideración de Doménikos Theotokópoulos como uno de los mayores hitos de la pintura es relativamente reciente, su figura estuvo relegada durante un largo periodo al rincón de los extravagantes, de los artistas que arrastrados por una personalidad arrolladora vieron sojuzgadas sus creaciones por la obtusa autoridad de los académicos. Sin embargo, el Greco resucitó en la mirada de los modernos, pintores que como Manet o Picasso vieron en él el germen de un nuevo arte. Heredero del color de Tiziano y la rotundidad de formas de Miguel Angel, este genio evolucionó desde un cauteloso y concienzudo periodo formativo en el arte posbizantino, hacia un sello personal único, una pintura en la que el arrojo del color y la espiritual elongación de los cuerpos servían a unas imágenes de una fuerza expresiva incomparable, matizada por el sabio uso de los grises argénteos y llevada al éxtasis en la contorsión imposible de los cuerpos y la luz.

    Para confirmar que el pintor griego todavía cuenta con la admiración de los artistas contemporáneos, el Museo Nacional de Escultura de Valladolid dedica una exposición, enmarcada en el “año Greco”, en la que doce referentes de la pintura española dialogan a través de sus personales códigos plásticos con el mítico creador de El entierro del Conde Orgaz.

    Se pretende así celebrar los cuatrocientos años de la muerte del pintor, con la participación de personalidades de la talla de José Manuel Broto o Cristina Iglesias, que rinden tributo al maestro reinterpretando en clave personal obras legendarias de su producción.

    Destaca la obra de Carlos León El cardenal  Don Fernando Niño de Guevara, sobre la obra del Greco del mismo nombre, en la que en forma de tríptico el color purpureo del ropaje cardenalicio se expande en forma de mancha sanguínea sobre el lienzo tripartito. Din Matamoro, con su habitual tratamiento del color a base de finas veladuras, dialoga con los colores del griego tratando de ahondar en el secreto de su profunda espiritualidad.

    El Greco sigue levantando pasiones y fecundando la imaginación de los artistas de nuestro tiempo, la fuerza de su pintura, la misma extraordinaria vitalidad que lo relegó durante siglos a una ciega indiferencia e incluso a una condena directa, lo mantiene vivo a día de hoy en el imaginario colectivo, y Toledo, ciudad en la que trabajó sin descanso hasta el final de su vida, parece ya indisolublemente ligada a las imágenes sobrecogedoras del maestro de Creta.

    Tagged: pintores, pintura, El Greco, exposiciones
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    • Las piezas de la obra de Ranjani Shettar remiten a la belleza natural que yace en las estructuras que perpetuán la vida.

    Intuiciones sobre el espacio y la plástica del ensueño / 

    Ranjani Shettar (1977) es célebre por sus instalaciones escultóricas de gran formato. Las caprichosas figuras de sus piezas y los artilugios que utiliza para suspender sus creaciones, le han valido un distinguido sello identitario. El ambiente onírico que poseen sus esculturas proyectan al espectador fuera del continuo del espacio/tiempo, para adentrarlos en un lugar conquistado por la metafísica de la plástica.La obra de Shettar nos remite a la belleza natural que se encuentra en las estructuras que perpetuán la vida, los aúricos patrones de la naturaleza. Las figuras de sus instalaciones se acumulan como urdimbres saturando el espacio de conexiones, los materiales tan diversos de los que se vale son atractivos y consistentes con las armónicas composiciones de sus piezas.Night skies and daydreams, es una muestra que se exhibe en Nueva York hasta el primero de agosto en Talwar Gallery.  Las obras que conviven en esta exhibición se distinguen y relacionan por el carácter libre que poseen, cada una de ellas parece reflexionar en torno a la conexión y la diversidad. De alguna manera aluden a la estrecha relación que poseen todos los organismos vivos en esta tierra. Between the sky and earth es una exhibición gemela que la Talwar Gallery ofreció en Nueva Delhi. En esta muestra se encuentran varias esculturas de madera, que hacen un acercamiento a un mundo microscópico imaginario.En general la obra de esta comprometida creadora invita al ensueño, al goce estético que nace de lo fantástico y surreal. Una experiencia que nos sugiere, o mejor dicho nos impregna, con reflexiones tan extravagantes como pertinentes. 

    Tagged: Ranjani Shettar, arte contemporáneo, exposiciones
  • Arte del Momento

    • Con su obra, Richard Long ha mostrado que al caminar el ser humano descubre su potencial al tiempo que se enfrenta a los recursos de los que dispone; por primera vez en Argentina, el artista expone en el Faena Arts Center de Buenos Aires.

    El arte de caminar de Richard Long, por primera vez en Argentina / 

    La figura del caminante es casi un arquetipo del pensamiento humano, en casi cualquiera de sus tradiciones. Sin la caminata es posible que al menos la filosofía y la poesía no existieran, o no bajo la forma en que las conocemos, pues caminar ha sido otra forma de pensar, de medir las ideas con el movimiento y el ritmo de los pies, de escanciar versos —como en Sendas de Oku— y delimitar conceptos —como en las legendarias caminatas de Kant por los alrededores de Königsberg.

    En el arte, caminar es también una fuerza poderosa, una presencia que recorre ciertas piezas, la voluntad creativa de ciertos artistas de un modo casi paralelo, como una suerte de recurso inspiracional pero también de ejecución, como si se tratara de un movimiento similar o equivalente a la mano que toma el pincel o la mirada que dirige los colores.

    Actualmente, Richard Long es un representante distinguido de esta forma de ejercer la actividad artística. Con una trayectoria ya consolidad, este artista plástico y fotógrafo inglés se distinguió casi desde el inicio por incorporar el acto de caminar a sus obras, descubriendo las cualidades estéticas, conmovedoras, metafísicas incluso, en el corazón mismo de lo cotidiano y lo habitual. A Line Made by Walking, de 1967, es una suerte de punto inaugural de este diálogo persistente entre el mundo y el ser humano, ese “Habitar significa dejar huellas” en el que Walter Benjamin intentó cifrar el efecto de nuestros actos sobre las formas y la naturaleza del mundo, esas modificaciones quizá sutiles, quizá tremendas y sin embargo siempre irrevocables: la evidencia del ser en la realidad.

    Este 28 de junio, el Faena Arts Center de Buenos Aires presentará la primera muestra de Long en Argentina: Mendoza Walking, una pieza compuesta de dos obras creadas expresamente para este lugar y ocasión, y la cual es en buena medida resultado del viaje emprendido por el artista por las regiones del Tupungato y el Cordón del Plata, ambas en la provincia de Mendoza, en plena cordillera de los Andes. Ante la vista del Aconcagua, la montaña más elevada de América, Long realizó una escultura con la que buscó explorar la relación entre Arte y Naturaleza y la dialéctica que protagonizan el potencial humano y las realidades de su entorno. Asimismo, en este trabajo Long también incorporó sus visitas a Buenos Aires, el río Paraná y la Pampa.

    El trabajo de Long se compone así de las esculturas realizadas in situ, las creadas para el Faena Arts Center y la documentación de la caminata con textos y fotografías, y por encima de todo esto, el acto mismo de caminar, inicio y fin del proyecto.

    Al final, como el mismo Long ha afirmado: “Un sendero es el sitio de muchos viajes. El lugar de la caminata está allá antes y después de ella”.

    Tagged: arte contemporáneo, Richard Long, land art
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    • Este relevante creador invita a reflexionar en torno a varios dilemas del arte contemporáneo con profundas obras

    To be or not to be: Giulio Paolini en la WhiteChapel Gallery / 

    La prestigiada galería WhiteChapel en Londres, exhibe el trabajo de uno de los artistas contemporáneos más representativos del arte italiano. Giulio Paolini (1940) uno de los artistas conceptuales más profundos e inspiradores, ha tenido desde mediados de los sesenta un fuerte impacto en la escena del arte. Sus creaciones reflexionan en torno al devenir histórico de las obras, el acto creador y el genio del artista. También, aborda delicadas problemáticas como la del original y la copia en el arte, mientras que el taller del artista y el estatuto de la obra en la sociedad moderna son una de sus preocupaciones fundamentales.   

    To be or not to be es el título de la muestra que permanecerá en la WhiteChapel hasta septiembre. La exhibición ocupa tres salas en las que se podrán apreciar los trabajos más representativos en la carrera de este icónico creador. Se exhiben también obras actuales y una instalación hecha exclusivamente para el evento.  Escultura, instalación y fotografía son las disciplinas que se exponen en esta sorprendente retrospectiva. Desde 1980 no se había explorado tan extensivamente el trabajo de Paolini en el Reino Unido, así que ya era hora de hacer un homenaje a su carrera.

    El trabajo de Paolini estudia las relaciones de la obra de arte con su creador, con el oficio que desempeña, la técnica que utiliza y el tiempo que transita su acto creativo encapsulado en la obra. El mérito de éste artista italiano estriba en reconocer y evidenciar la fórmula que yace escondida en una obra de arte, ha desmembrado el objeto estético hasta sus cimientos para reconfigurarlo en una época diferente –hazaña de un genio creador.

    Tagged: Giulio Paolini, arte contemporáneo, arte conceptual
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    • Fundamentals es un reto creativo que lanza Rem Koolhaas para el mundo de la arquitectura internacional.

    Lo más destacado de la Bienal de Venecia de Arquitectura 2014 / 

    La esperada bienal de Venecia de Arquitectura 2014, que inició este 7 de junio, tiene como responsable a Rem Koolhaas. Este brillante holandés imprimió un enfoque distintivo al evento, lo cual enriqueción tanto el concepto como las expectativas frente al mismo. El título es Fundamentals y remite a lo más esencial de la creación arquitectónica, el lenguaje que conecta a cualquier creador del mundo con el público internacional, abarcando, además, las transformaciones de la modernidad al paisaje urbano.

    En esta ocasión, por cierto la decimocuarta edición del evento, el pabellón de Chile ha sido galardonado con el León de Plata gracias al sensible y representativo proyecto Monolith Controversies. Obra del arquitecto Pedro Alonso y del diseñador Hugo Palmarola, se trata de una pieza que reflexiona sobre el régimen de Salvador Allende  y las transformación que la dictadura provoco al país. 

    El León de Oro fue otorgado a Crow's Eye View: The Korean Peninsula, gracias al polémico trabajo de los arquitectos Minsuk Cho, Changmo Ahn, Jihoi Lee  y Hyungmin Pai. Sus creadores mostraron la transformación de las dos coreas en el último siglo, ahondando en lo que ha significado la modernización para esta zona de tensiones políticas. 

    Canadá se hizo acreedora a una mención destacada por Arctic Adaptations: Nunavut at 15. Se trata de una propuesta notable, que celebra la vida de las comunidades canadienses del norte, las cuales, desde 1999, son independientes. Las temperaturas bajo cero obligan a repensar los fundamentos de la arquitectura, y el proyecto informa sobre el desarrollo y evolución de la vida en los procesos de modernización en esta zona ártica.

    Francia es otro de los pabellones reconocidos con una mención por el proyecto Modernity: promise or menace? Una interesante reflexión a partir de la película “Mon oncle” de Jacques Tati,  film en el que se propone un hogar moderno ideal, la utopía de un espacio adaptado a las condiciones socioculturales de un momento puntual en la historia.  

    Finalmente destaca el pabellón de Rusia, que expuso veinte proyecciones en torno a la modernidad de este país, las cuales, por cierto, terminarían definiendo el rasgo del paisaje urbano. El proyecto lleva por título Fair Enough y ya se hizo merecedor de  una mención especial, gracias al original enfoque de feria de negocios que los creadores le dieron. Otros pabellones notables son el de Polonia: Objetos imposibles, Kosovo: Visibilidad y Para que no olvidemos: Estructuras de la Memoria en los Emiratos Árabes Unidos.  El León de Plata para mejor proyecto de investigación se lo llevó el español Andrés Jaque, quien a través de Sales Oddity analiza críticamente el papel modelador de los medios de comunicación y los negocios en aspectos urbanos.

    Vale la pena señalar que la arquitecta canadiense Phyllis Lambert fue reconocida con el León de Oro por su extensa y brillante carrera. Hasta el momento esta bienal en su catorceava edición ya es un éxito y según la crítica especializada se trata de una de las ediciones con mayor relevancia en la historia del evento. 

    Tagged: arte del momento, Venecia, Bienal de Vencia 2014
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    • Esta exposición indaga en la luz como metáfora a través de la obra de veinte consolidados artistas.

    "L’illusione della luce": Exposición en el Palazzo Grassi de Venecia / 

    Una introducción perfecta a esta exposición en el Palazzo Grassi de Venecia puede encontrarse en uno de los crípticos aforismos de Franz Kafka:

    Nuestro arte es un estar deslumbrado por la verdad: lo único verdadero es la luz en el rostro monstruoso que retrocede.

    Efectivamente, la luz siempre se ha relacionado con la verdad: su eclosión alumbra el camino y dispersa lo que era penumbra, ignorancia, pero como contrapartida su abuso deslumbra - como en el aforismo de Kafka- y su haz ciega por exceso. La luz como metáfora del conocimiento y la revelación siempre ha estado presente en el arte, con ejemplos tan notables como La anunciación, de El Greco, o los marmóreos rayos del Éxtasis de Santa Teresa, de Bernini.

    Es de agradecer que una muestra de arte contemporáneo retome el misterio y ambivalencia de significados que la luz tiene como símbolo, dando posibilidad a la producción más conceptual de mostrarse bajo “la luz” de su inmediatez plástica y acentuar su capacidad de sugestión sensorial.

    Hasta el 31 de diciembre puede ser apreciada esta particular exposición, La ilusión de la luz, comisionada por Caroline Bourgeois, que reúne artistas desde la década de los sesenta a la época actual.

    En un paseo por los corredores del imponente palacio de mármol, podremos sumergirnos en la etérea luminosidad de la instalación de Doug Wheeler, situada en el atrio del edificio, estremecernos con las imágenes del primer ensayo atómico estadounidense realizado en el atolón de Bikini utilizadas por Bruce Connor, o caer en la perplejidad al encontrarnos con Diálogo, del español Antoni Muntadas, en el que una bombilla dialoga con una simple vela. La luz como vía hacia una nueva experiencia sensorial, la luz como memoria del horror, la luz como metáfora de las diferencias.

    De destacar es la instalación de Latifa Echakhch, en la que un profundísimo azul Klein parece abandonarse en lágrimas sobre el suelo para dejar la huella de su anterior presencia en un panel de concéntrica luz titulado "A chaque stencil une révolution" (“Por cada plantilla, una revolución”).

    La exposición cierra con una de las obras más enigmáticas, perteneciente a la artista más joven del grupo, la francesa Claire Tabouret. Se trata de una pintura en la que un extraño grupo de niños posa frontalmente, como en una de esas fotografías de grupo escolares, portando cada uno de ellos una especie de vara blanca a modo de tubo de neón. La luz parece alejarse aquí de su espectro feliz para irradiar una inquietante y contenida perversión. De nuevo algo nos recuerda el aforismo de Franz Kafka.

    Tagged: exposicion, La ilusión de la luz, Palazzo Grassi, Venecia, arte contemporáneo, instalaciones
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    • Por primera vez el artista ruso Fyodor Pavlov-Andreevich exhibe su obra en Argentina: la instalación “site-specific” Carousel creada especialmente para el Faena Arts Center de Buenos Aires.

    El Carousel de Fyodor Pavlov-Andreevich comienza a girar en el Faena Arts Center / 

    Hace unos días, en Faena Aleph, compartimos una breve semblanza de Fyodor Pavlov-Andreevich, artista que luego de haberse formado con Marina Abramovic, ha consolidado ya una trayectoria propia, desafiante, inscrita en la mejor tradición del performance que sacude y conmueve, que inevitablemente nos conduce a la duda y la reflexión por la vía de las muchas formas del asombro.

    Después de exponer en Inglaterra, Miami y en su natal Moscú, Pavlov-Andreevich presenta por primera vez una en Argentina: Carousel, una instalación creada ex profeso para el Faena Arts Center de Buenos Aires.

    Como su nombre lo sugiere, Carousel retoma la estructura del juego mecánico pero solo por su dinámica: por la posibilidad de mantener a un espectador en un punto fijo, atento, mientras 9 escenas giran frente a él, mostrando igual número de situaciones distintas que a su vez tienen un eje común: la vergüenza.

    La “calesita” adquiere así otros significados, algunos evidentes, otros libres a la interpretación de quien asiste a la sucesión y repetición ininterrumpidas de una pareja que pelea, una joven que intenta conservar el equilibrio mientras camina sobre una cinta, un hombre elefante e incluso una cabeza de Pavlov-Andreevich que habla sin detenerse.

    Curada por Ximena Caminos y Marcelo Pisu, Carousel retoma parcialmente las ideas del movimiento “Down With Shame, el cual surgió en Rusia en la década de 1920 con el propósito de cuestionar la vergüenza y exhibirla como un resultado de cierta moralidad específica, la de los burgueses, quienes la han utilizado históricamente para frenar la realización de una sociedad igualitaria y justa.

    Cada uno de los performances de Carousel tiene un autor individual, lo cual, paradójicamente, le da también el carácter de obra colectiva, una doble naturaleza que en cierto sentido se encuentra acorde con ese origen contestatario de la pieza.

    Por último, cabe mencionar que Carousel se exhibe solo desde del 21 al 25 de mayo. Pocos días para una instalación inédita en la capital porteña.

    Tagged: Carousel, Fyodor Pavlov-Andreevich, instalaciones, Faena Arts Center, Buenos Aires

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