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Arte del Momento

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    • Doce artistas plásticos en activo dialogan y homenajean a uno de los artistas más incomprendidos de la historia del arte: Doménikos Theotokópoulos, El Greco.

    El éxtasis de los cuerpos. El Greco revive en la obra de doce autores contemporáneos / 

    En 1912, el médico portugués Ricardo Jorge persentó la hipótesis de la locura del Greco; un poco más tarde, el alemán Goldschmitt y el español Beritens sustentaron otra nueva hipótesis: el Greco padecía astigmatismo, lo que explicaba la particularidad formal de sus pinturas.

    Ciertamente, la universal consideración de Doménikos Theotokópoulos como uno de los mayores hitos de la pintura es relativamente reciente, su figura estuvo relegada durante un largo periodo al rincón de los extravagantes, de los artistas que arrastrados por una personalidad arrolladora vieron sojuzgadas sus creaciones por la obtusa autoridad de los académicos. Sin embargo, el Greco resucitó en la mirada de los modernos, pintores que como Manet o Picasso vieron en él el germen de un nuevo arte. Heredero del color de Tiziano y la rotundidad de formas de Miguel Angel, este genio evolucionó desde un cauteloso y concienzudo periodo formativo en el arte posbizantino, hacia un sello personal único, una pintura en la que el arrojo del color y la espiritual elongación de los cuerpos servían a unas imágenes de una fuerza expresiva incomparable, matizada por el sabio uso de los grises argénteos y llevada al éxtasis en la contorsión imposible de los cuerpos y la luz.

    Para confirmar que el pintor griego todavía cuenta con la admiración de los artistas contemporáneos, el Museo Nacional de Escultura de Valladolid dedica una exposición, enmarcada en el “año Greco”, en la que doce referentes de la pintura española dialogan a través de sus personales códigos plásticos con el mítico creador de El entierro del Conde Orgaz.

    Se pretende así celebrar los cuatrocientos años de la muerte del pintor, con la participación de personalidades de la talla de José Manuel Broto o Cristina Iglesias, que rinden tributo al maestro reinterpretando en clave personal obras legendarias de su producción.

    Destaca la obra de Carlos León El cardenal  Don Fernando Niño de Guevara, sobre la obra del Greco del mismo nombre, en la que en forma de tríptico el color purpureo del ropaje cardenalicio se expande en forma de mancha sanguínea sobre el lienzo tripartito. Din Matamoro, con su habitual tratamiento del color a base de finas veladuras, dialoga con los colores del griego tratando de ahondar en el secreto de su profunda espiritualidad.

    El Greco sigue levantando pasiones y fecundando la imaginación de los artistas de nuestro tiempo, la fuerza de su pintura, la misma extraordinaria vitalidad que lo relegó durante siglos a una ciega indiferencia e incluso a una condena directa, lo mantiene vivo a día de hoy en el imaginario colectivo, y Toledo, ciudad en la que trabajó sin descanso hasta el final de su vida, parece ya indisolublemente ligada a las imágenes sobrecogedoras del maestro de Creta.

    Tagged: pintores, pintura, El Greco, exposiciones
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    • Las piezas de la obra de Ranjani Shettar remiten a la belleza natural que yace en las estructuras que perpetuán la vida.

    Intuiciones sobre el espacio y la plástica del ensueño / 

    Ranjani Shettar (1977) es célebre por sus instalaciones escultóricas de gran formato. Las caprichosas figuras de sus piezas y los artilugios que utiliza para suspender sus creaciones, le han valido un distinguido sello identitario. El ambiente onírico que poseen sus esculturas proyectan al espectador fuera del continuo del espacio/tiempo, para adentrarlos en un lugar conquistado por la metafísica de la plástica.La obra de Shettar nos remite a la belleza natural que se encuentra en las estructuras que perpetuán la vida, los aúricos patrones de la naturaleza. Las figuras de sus instalaciones se acumulan como urdimbres saturando el espacio de conexiones, los materiales tan diversos de los que se vale son atractivos y consistentes con las armónicas composiciones de sus piezas.Night skies and daydreams, es una muestra que se exhibe en Nueva York hasta el primero de agosto en Talwar Gallery.  Las obras que conviven en esta exhibición se distinguen y relacionan por el carácter libre que poseen, cada una de ellas parece reflexionar en torno a la conexión y la diversidad. De alguna manera aluden a la estrecha relación que poseen todos los organismos vivos en esta tierra. Between the sky and earth es una exhibición gemela que la Talwar Gallery ofreció en Nueva Delhi. En esta muestra se encuentran varias esculturas de madera, que hacen un acercamiento a un mundo microscópico imaginario.En general la obra de esta comprometida creadora invita al ensueño, al goce estético que nace de lo fantástico y surreal. Una experiencia que nos sugiere, o mejor dicho nos impregna, con reflexiones tan extravagantes como pertinentes. 

    Tagged: Ranjani Shettar, arte contemporáneo, exposiciones
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    • Con su obra, Richard Long ha mostrado que al caminar el ser humano descubre su potencial al tiempo que se enfrenta a los recursos de los que dispone; por primera vez en Argentina, el artista expone en el Faena Arts Center de Buenos Aires.

    El arte de caminar de Richard Long, por primera vez en Argentina / 

    La figura del caminante es casi un arquetipo del pensamiento humano, en casi cualquiera de sus tradiciones. Sin la caminata es posible que al menos la filosofía y la poesía no existieran, o no bajo la forma en que las conocemos, pues caminar ha sido otra forma de pensar, de medir las ideas con el movimiento y el ritmo de los pies, de escanciar versos —como en Sendas de Oku— y delimitar conceptos —como en las legendarias caminatas de Kant por los alrededores de Königsberg.

    En el arte, caminar es también una fuerza poderosa, una presencia que recorre ciertas piezas, la voluntad creativa de ciertos artistas de un modo casi paralelo, como una suerte de recurso inspiracional pero también de ejecución, como si se tratara de un movimiento similar o equivalente a la mano que toma el pincel o la mirada que dirige los colores.

    Actualmente, Richard Long es un representante distinguido de esta forma de ejercer la actividad artística. Con una trayectoria ya consolidad, este artista plástico y fotógrafo inglés se distinguió casi desde el inicio por incorporar el acto de caminar a sus obras, descubriendo las cualidades estéticas, conmovedoras, metafísicas incluso, en el corazón mismo de lo cotidiano y lo habitual. A Line Made by Walking, de 1967, es una suerte de punto inaugural de este diálogo persistente entre el mundo y el ser humano, ese “Habitar significa dejar huellas” en el que Walter Benjamin intentó cifrar el efecto de nuestros actos sobre las formas y la naturaleza del mundo, esas modificaciones quizá sutiles, quizá tremendas y sin embargo siempre irrevocables: la evidencia del ser en la realidad.

    Este 28 de junio, el Faena Arts Center de Buenos Aires presentará la primera muestra de Long en Argentina: Mendoza Walking, una pieza compuesta de dos obras creadas expresamente para este lugar y ocasión, y la cual es en buena medida resultado del viaje emprendido por el artista por las regiones del Tupungato y el Cordón del Plata, ambas en la provincia de Mendoza, en plena cordillera de los Andes. Ante la vista del Aconcagua, la montaña más elevada de América, Long realizó una escultura con la que buscó explorar la relación entre Arte y Naturaleza y la dialéctica que protagonizan el potencial humano y las realidades de su entorno. Asimismo, en este trabajo Long también incorporó sus visitas a Buenos Aires, el río Paraná y la Pampa.

    El trabajo de Long se compone así de las esculturas realizadas in situ, las creadas para el Faena Arts Center y la documentación de la caminata con textos y fotografías, y por encima de todo esto, el acto mismo de caminar, inicio y fin del proyecto.

    Al final, como el mismo Long ha afirmado: “Un sendero es el sitio de muchos viajes. El lugar de la caminata está allá antes y después de ella”.

    Tagged: arte contemporáneo, Richard Long, land art
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    • Este relevante creador invita a reflexionar en torno a varios dilemas del arte contemporáneo con profundas obras

    To be or not to be: Giulio Paolini en la WhiteChapel Gallery / 

    La prestigiada galería WhiteChapel en Londres, exhibe el trabajo de uno de los artistas contemporáneos más representativos del arte italiano. Giulio Paolini (1940) uno de los artistas conceptuales más profundos e inspiradores, ha tenido desde mediados de los sesenta un fuerte impacto en la escena del arte. Sus creaciones reflexionan en torno al devenir histórico de las obras, el acto creador y el genio del artista. También, aborda delicadas problemáticas como la del original y la copia en el arte, mientras que el taller del artista y el estatuto de la obra en la sociedad moderna son una de sus preocupaciones fundamentales.   

    To be or not to be es el título de la muestra que permanecerá en la WhiteChapel hasta septiembre. La exhibición ocupa tres salas en las que se podrán apreciar los trabajos más representativos en la carrera de este icónico creador. Se exhiben también obras actuales y una instalación hecha exclusivamente para el evento.  Escultura, instalación y fotografía son las disciplinas que se exponen en esta sorprendente retrospectiva. Desde 1980 no se había explorado tan extensivamente el trabajo de Paolini en el Reino Unido, así que ya era hora de hacer un homenaje a su carrera.

    El trabajo de Paolini estudia las relaciones de la obra de arte con su creador, con el oficio que desempeña, la técnica que utiliza y el tiempo que transita su acto creativo encapsulado en la obra. El mérito de éste artista italiano estriba en reconocer y evidenciar la fórmula que yace escondida en una obra de arte, ha desmembrado el objeto estético hasta sus cimientos para reconfigurarlo en una época diferente –hazaña de un genio creador.

    Tagged: Giulio Paolini, arte contemporáneo, arte conceptual
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    • Fundamentals es un reto creativo que lanza Rem Koolhaas para el mundo de la arquitectura internacional.

    Lo más destacado de la Bienal de Venecia de Arquitectura 2014 / 

    La esperada bienal de Venecia de Arquitectura 2014, que inició este 7 de junio, tiene como responsable a Rem Koolhaas. Este brillante holandés imprimió un enfoque distintivo al evento, lo cual enriqueción tanto el concepto como las expectativas frente al mismo. El título es Fundamentals y remite a lo más esencial de la creación arquitectónica, el lenguaje que conecta a cualquier creador del mundo con el público internacional, abarcando, además, las transformaciones de la modernidad al paisaje urbano.

    En esta ocasión, por cierto la decimocuarta edición del evento, el pabellón de Chile ha sido galardonado con el León de Plata gracias al sensible y representativo proyecto Monolith Controversies. Obra del arquitecto Pedro Alonso y del diseñador Hugo Palmarola, se trata de una pieza que reflexiona sobre el régimen de Salvador Allende  y las transformación que la dictadura provoco al país. 

    El León de Oro fue otorgado a Crow's Eye View: The Korean Peninsula, gracias al polémico trabajo de los arquitectos Minsuk Cho, Changmo Ahn, Jihoi Lee  y Hyungmin Pai. Sus creadores mostraron la transformación de las dos coreas en el último siglo, ahondando en lo que ha significado la modernización para esta zona de tensiones políticas. 

    Canadá se hizo acreedora a una mención destacada por Arctic Adaptations: Nunavut at 15. Se trata de una propuesta notable, que celebra la vida de las comunidades canadienses del norte, las cuales, desde 1999, son independientes. Las temperaturas bajo cero obligan a repensar los fundamentos de la arquitectura, y el proyecto informa sobre el desarrollo y evolución de la vida en los procesos de modernización en esta zona ártica.

    Francia es otro de los pabellones reconocidos con una mención por el proyecto Modernity: promise or menace? Una interesante reflexión a partir de la película “Mon oncle” de Jacques Tati,  film en el que se propone un hogar moderno ideal, la utopía de un espacio adaptado a las condiciones socioculturales de un momento puntual en la historia.  

    Finalmente destaca el pabellón de Rusia, que expuso veinte proyecciones en torno a la modernidad de este país, las cuales, por cierto, terminarían definiendo el rasgo del paisaje urbano. El proyecto lleva por título Fair Enough y ya se hizo merecedor de  una mención especial, gracias al original enfoque de feria de negocios que los creadores le dieron. Otros pabellones notables son el de Polonia: Objetos imposibles, Kosovo: Visibilidad y Para que no olvidemos: Estructuras de la Memoria en los Emiratos Árabes Unidos.  El León de Plata para mejor proyecto de investigación se lo llevó el español Andrés Jaque, quien a través de Sales Oddity analiza críticamente el papel modelador de los medios de comunicación y los negocios en aspectos urbanos.

    Vale la pena señalar que la arquitecta canadiense Phyllis Lambert fue reconocida con el León de Oro por su extensa y brillante carrera. Hasta el momento esta bienal en su catorceava edición ya es un éxito y según la crítica especializada se trata de una de las ediciones con mayor relevancia en la historia del evento. 

    Tagged: arte del momento, Venecia, Bienal de Vencia 2014
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    • Esta exposición indaga en la luz como metáfora a través de la obra de veinte consolidados artistas.

    "L’illusione della luce": Exposición en el Palazzo Grassi de Venecia / 

    Una introducción perfecta a esta exposición en el Palazzo Grassi de Venecia puede encontrarse en uno de los crípticos aforismos de Franz Kafka:

    Nuestro arte es un estar deslumbrado por la verdad: lo único verdadero es la luz en el rostro monstruoso que retrocede.

    Efectivamente, la luz siempre se ha relacionado con la verdad: su eclosión alumbra el camino y dispersa lo que era penumbra, ignorancia, pero como contrapartida su abuso deslumbra - como en el aforismo de Kafka- y su haz ciega por exceso. La luz como metáfora del conocimiento y la revelación siempre ha estado presente en el arte, con ejemplos tan notables como La anunciación, de El Greco, o los marmóreos rayos del Éxtasis de Santa Teresa, de Bernini.

    Es de agradecer que una muestra de arte contemporáneo retome el misterio y ambivalencia de significados que la luz tiene como símbolo, dando posibilidad a la producción más conceptual de mostrarse bajo “la luz” de su inmediatez plástica y acentuar su capacidad de sugestión sensorial.

    Hasta el 31 de diciembre puede ser apreciada esta particular exposición, La ilusión de la luz, comisionada por Caroline Bourgeois, que reúne artistas desde la década de los sesenta a la época actual.

    En un paseo por los corredores del imponente palacio de mármol, podremos sumergirnos en la etérea luminosidad de la instalación de Doug Wheeler, situada en el atrio del edificio, estremecernos con las imágenes del primer ensayo atómico estadounidense realizado en el atolón de Bikini utilizadas por Bruce Connor, o caer en la perplejidad al encontrarnos con Diálogo, del español Antoni Muntadas, en el que una bombilla dialoga con una simple vela. La luz como vía hacia una nueva experiencia sensorial, la luz como memoria del horror, la luz como metáfora de las diferencias.

    De destacar es la instalación de Latifa Echakhch, en la que un profundísimo azul Klein parece abandonarse en lágrimas sobre el suelo para dejar la huella de su anterior presencia en un panel de concéntrica luz titulado "A chaque stencil une révolution" (“Por cada plantilla, una revolución”).

    La exposición cierra con una de las obras más enigmáticas, perteneciente a la artista más joven del grupo, la francesa Claire Tabouret. Se trata de una pintura en la que un extraño grupo de niños posa frontalmente, como en una de esas fotografías de grupo escolares, portando cada uno de ellos una especie de vara blanca a modo de tubo de neón. La luz parece alejarse aquí de su espectro feliz para irradiar una inquietante y contenida perversión. De nuevo algo nos recuerda el aforismo de Franz Kafka.

    Tagged: exposicion, La ilusión de la luz, Palazzo Grassi, Venecia, arte contemporáneo, instalaciones
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    • Por primera vez el artista ruso Fyodor Pavlov-Andreevich exhibe su obra en Argentina: la instalación “site-specific” Carousel creada especialmente para el Faena Arts Center de Buenos Aires.

    El Carousel de Fyodor Pavlov-Andreevich comienza a girar en el Faena Arts Center / 

    Hace unos días, en Faena Aleph, compartimos una breve semblanza de Fyodor Pavlov-Andreevich, artista que luego de haberse formado con Marina Abramovic, ha consolidado ya una trayectoria propia, desafiante, inscrita en la mejor tradición del performance que sacude y conmueve, que inevitablemente nos conduce a la duda y la reflexión por la vía de las muchas formas del asombro.

    Después de exponer en Inglaterra, Miami y en su natal Moscú, Pavlov-Andreevich presenta por primera vez una en Argentina: Carousel, una instalación creada ex profeso para el Faena Arts Center de Buenos Aires.

    Como su nombre lo sugiere, Carousel retoma la estructura del juego mecánico pero solo por su dinámica: por la posibilidad de mantener a un espectador en un punto fijo, atento, mientras 9 escenas giran frente a él, mostrando igual número de situaciones distintas que a su vez tienen un eje común: la vergüenza.

    La “calesita” adquiere así otros significados, algunos evidentes, otros libres a la interpretación de quien asiste a la sucesión y repetición ininterrumpidas de una pareja que pelea, una joven que intenta conservar el equilibrio mientras camina sobre una cinta, un hombre elefante e incluso una cabeza de Pavlov-Andreevich que habla sin detenerse.

    Curada por Ximena Caminos y Marcelo Pisu, Carousel retoma parcialmente las ideas del movimiento “Down With Shame, el cual surgió en Rusia en la década de 1920 con el propósito de cuestionar la vergüenza y exhibirla como un resultado de cierta moralidad específica, la de los burgueses, quienes la han utilizado históricamente para frenar la realización de una sociedad igualitaria y justa.

    Cada uno de los performances de Carousel tiene un autor individual, lo cual, paradójicamente, le da también el carácter de obra colectiva, una doble naturaleza que en cierto sentido se encuentra acorde con ese origen contestatario de la pieza.

    Por último, cabe mencionar que Carousel se exhibe solo desde del 21 al 25 de mayo. Pocos días para una instalación inédita en la capital porteña.

    Tagged: Carousel, Fyodor Pavlov-Andreevich, instalaciones, Faena Arts Center, Buenos Aires
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    • Del 23 al26 de mayo arteBA volverá a reunir a los artistas más importantes y promisorios de América Latina con las personas interesadas en adquirir sus obras.

    Las sorpresas de arteBA en su 23ª edición / 

    arteBA es una de las ferias de arte más notables de América Latina. Desde 1991, año de su primera edición, ha sido punto de encuentro entre artistas, galeristas, fundaciones, curadores y gestores culturales con personas interesadas en adquirir arte contemporáneo, ya sea para colección personal o para el acervo de alguna institución.

    Este 2014 arteBA busca cumplir con dicho objetivo por medio de nuevas formas y algunos experimentos interesantes, pues su 23ª edición está encabezada por un nuevo presidente, Alec Oxenford, un joven empresario salido del mundo digital que ha impulsado propuestas que dan cierto ánimo de inédito a la feria, con miras a “impulsar el coleccionismo de distintas maneras”, según afirmó el propio Oxenford al presentar arteBA el pasado 6 de mayo en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires.

    Destaca, de entrada, que al menos 11 museos han prometido hacerse de obra en arteBA para sus colecciones, algunos argentinos como el Museo Nacional de Bellas Artes, Museo de Bellas Artes de Neuquén y el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, y otros de prestigio internacional como la Tate Gallery de Londres, el Guggenheim de Nueva York, el Pérez Art Museum de Miami y el Reina Sofía de España.

    Asimismo, esta edición de la feria será la primera en que la fotografía tenga un espacio reservado, Photobooth Citi, con la exhibición de piezas históricas y contemporáneas, de fotógrafos argentinos e internacionales.

    Petrobras también decidió dar un giro a su participación en arteBA y el premio que otorgaba anualmente a varios artistas será sustituido por un ambicioso proyecto curatorial en el que 20 galerías y 60 artistas de América Latina expondrán obras seleccionadas por la historiadora del arte Andrea Giunta. Por otro lado, U-Turn, curado por Agustín Pérez Rubio, presenta los proyectos de galerías invitadas ex profeso a la feria, provenientes de Perú, Estados Unidos, México, Brasil, España, Colombia y Uruguay.

    En cuanto al apoyo al talento joven, arteBA mantiene el premio de pintura Arcos Dorados, adonde arriban 6 finalistas de distintos países del continente, y Barrio Joven-Chandon, que brinda oportunidad de exposición a galerías emergentes y alternativas.

    Por último, destaca el espacio Cabinet Lan, destinado para que el público visitante conozca el trabajo de artistas contemporáneos como Vik Muñiz, Alejandro Puente y Manuel Espinosa, entre otros, a través del contacto interactivo con audioguías y señalizaciones.

    La feria se complementa con conferencias de personas relacionadas con el mundo del arte, como los coleccionistas Tobías Ostrander y Catherine Petitgas, y diálogos entre artistas, como el que sostendrán Guillermo Kuitca y José Roca.

    Se trata, en suma, de una oportunidad inmejorable para comprobar el temple del arte de nuestros días.

    Tagged: arteBA, ferias de arte, arte contemporáneo
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    • Desde su invención el GIF ha ido tomando cada vez más fuerza, hoy en día la web 2.0 no puede ser pensada sin este integrante de la fauna binaria

    El primer concurso “Motion Photography” de la Saatchi Gallery y Google+ fue un éxito / 

    Saatchi Gallery y Google+ lanzaron el primer concurso global de fotografía en movimiento. La convocatoria estuvo abierta  desde el 5 de febrero y ahora se exhibe el trabajo de los finalistas con la muestra Motion Photography Prize, que desde el 14 de abril hasta el 14 se de mayo se encontrará en la cartelera de la galería. Este concurso fue posible gracias al reconocimiento del género (Gif animado) como actividad creativa con grandes posibilidades como forma de arte.

    Los ganadores  del certamen por categoría fueron: 

    Stefanie Schneider   Paisaje

    Kostas Agiannitis    Estilo de Vida

    Micaël Reynaud      Acción

    Matthew Clarke       Noche

    Emma Critchley       Gente

    Christina Rinaldi     Urbano   

    La muestra exhibe el trabajo de los 54 finalistas seleccionados de entre los 4,000 participantes provenientes de decenas de países. El fenómeno del loop digital está tomando fuerza como medio creativo, es una expresión artística simple que como los memes y otros constructos del ciberespacio abrazan la vida cotidiana y la transforman en comedia, contemplación y arte.

    La web 2.0 está dando un giro a todos los aspectos de la vida, la creatividad es una conquista crucial en la lista de estas transformaciones; el poder de convocatoria que la web le aporta a las exhibiciones y eventos artísticos, extienden los límites de la galería a la dimensión de los datagramas que surcan el ciberespacio, expandiendo los alcances de la obra.

    La Saatchi Gallery y Google se han distinguido agentes transformadores en sus respectivos campos, incentivando la creatividad, la investigación y la experimentación. Una mancuerna conveniente para proyectos de futuros creadores y colectivos de diferentes disciplinas, ante el cual debieramos estar atentos.

    Tagged: GIF, arte digital, Saatchi Gallery
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    • Esta muestra supone una gran oportunidad de apreciar piezas raramente exhibidas de 79 artistas simpatizantes con este movimiento de vanguardia.

    El Guggenheim de Nueva York monta magno tributo al futurismo italiano / 

    El futurismo fue un movimiento de vanguardia apasionado y comprometido con sus ideales. Pocas agrupaciones de principios de siglo XX fueron tan aguerridas con las nociones estéticas y políticas que defendían. Sus exponentes se valieron de una gran variedad de medios para alcanzar las conquistas artísticas que lograrían, y así la poesía, música, teatro, danza, pintura y política se transformaron en el vehículo motorizado del futurismo.   

    El Guggenheim de Nueva York propone la muestra Italian Futurism, 1909-1944: Reconstructing the Universe. Esta exhibición ofrece una mirada extensiva a los 30 años de actividad del movimiento italiano, colocándose así como la primera vez que se aborda esta vanguardia, con tal seriedad, en el continente americano. Se revisa el trabajo de 79 artistas divididos en los siguientes ejes temáticos: Heroic Futurism, Words in Freedom, Architecture, Futurist Reconstruction of the Universe, Arte Meccanica, Aeropittura y Photography.

    Esta histórica muestra incluye trabajos raramente exhibidos de los exponentes más representativos del movimiento, como Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Francesco Cangiullo, Gino Severini, Ivo Pannaggi, entre muchos más. Se exhiben las publicaciones originales de los manifiestos promulgados por el movimiento, se ofrecen charlas y paseos por el museo que ahondan en temas tan variados como el diseño en el futurismo y el papel de las mujeres en el movimiento.  

    Los simpatizantes del futurismo enardecían con la velocidad, el rugido de los motores, las máquinas de vuelo y la automatización de los procesos. Abrazaban los ideales de la modernidad sin reparos, motivaban la revolución desde las vanguardias políticas, literarias y artísticas. Las obras que arrojó el movimiento empatan con el sentir del arte contemporáneo, ya que esta vanguardia forjó los cimientos de la interdisciplinariedad y la experimentación plástica.

    La muestra se inauguró el 21 de febrero y permanecerá en salas hasta el primero de septiembre. Estamos atestiguando la valoración de un gran movimiento de vanguardia, al que se le debe mucho de la investigación plástica y teórica que sustenta al arte actual. Así que si deseas echar a andar los motores de la inspiración, en cada alma futurista que existió a principios del siglo pasado encontrarás fragmentos de ésta. 

    Tagged: exposiciones, Guggenheim New York, futurismo, arte del siglo XX Credits: Images (I Giacomo Balla: The Hand of the Violinist, 1912) (II Filippo Masoero: Descending over Saint Peter, 1930-1933)

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